Remettre la méthode académique au goût du jour

La méthode académique traditionnelle française

La décision de fonder le cours et la démarche pédagogique adoptée sont indissociables de l’expérience de Jonathan en tant qu’élève peintre. Durant ses études il a constaté que l’enseignement dans les écoles d’art gagnerait à réactiver la méthode académique traditionnelle française qui a été en vigueur jusqu’au début du 20ème siècle, notamment à l’école des Beaux-arts de Paris. Cette méthode repose sur un certain nombre d’exercices progressifs, légués par les maîtres français entre le 18ème et le début du 20ème siècles.

L’enseignement académique traditionnel repose sur des contraintes qui, loin de figer la pratique dans des cadres datés, fournissent en réalité des outils à même de libérer l’expression picturale. Selon Jonathan, le corpus d’exercices de la méthode académique traditionnelle permet de développer des fondamentaux techniques utiles à tous les artistes, amateurs ou professionnels.

Cela explique aussi le choix de poses longues. Il n’est pas rare que les élèves travaillent sur la même pose durant plusieurs séances. A l’opposée d’un cours de croquis, l’objectif est ici de réaliser des dessins et des peintures aboutis.

Notre méthode est une transmission d’un « savoir dessiner » et d’un « savoir peindre » fondé sur un certain nombre d’exercices progressifs, légués par les maîtres français entre le 18ème et le début du 20ème siècle.

A écouter Jonathan on a presque l’impression que c’est une démarche militante qui l’anime. Elle témoigne d’une réflexion profonde sur les méthodes d’enseignement. Il attache beaucoup d’importance à son rôle de professeur, même s’il ne représente qu’une petite partie de son activité, le reste de son temps étant dédié à la réalisation de ses œuvres.

Des élèves motivés et de bon niveau

Les cours attirent des élèves désireux de progresser. Beaucoup sont dans des professions artistiques ou se destinent à des écoles d’art. On trouve également des débutants motivés. Le jour où j’ai assisté au cours on comptait notamment une personne travaillant dans l’animation, un directeur d’école d’art et un jeune homme se destinant à une école de jeux vidéo. Les autres étaient de purs amateurs.

Preuve de la volonté des créateurs du cours d’offrir une formation adaptée aux élèves en voie de professionnalisation, ils ont mis en place depuis 2017 une formation continue sur 3 ans.

Lors d’un cours de nu auquel j’ai assisté les élèves commençaient à travailler sur une nouvelle pose. Cela veut dire qu’ils devaient choisir collectivement quelle pose le modèle allait prendre pour les séances à venir. Un des élèves suggère une position assise ou groupée, les genoux repliés, mais finalement le groupe s’accorde sur un contraposto (cette position signifie que l’une des jambes du modèle porte l’essentiel du poids du corps, l’autre étant laissée libre et légèrement fléchie) avec un bras replié sur le ventre. La séance de trois heures sera dédiée à la réalisation d’un petit format pour permettre aux élèves d’appréhender la pose et de prendre leurs marques.

Le groupe compte sept ou huit personnes, une séance calme me dit Jonathan, il n’est pas rare qu’il y ait une douzaine d’élèves simultanément dans l’atelier. Mais il y a de la place pour tout le monde.

Les professeurs donnent le choix entre un cycle de dessin et un cycle de peinture (ce dernier est réservé aux élèves ayant déjà suivi le cycle de dessin). Le cycle de dessin est consacré aux nus et aux portraits, d’après un modèle vivant, à la mine de plomb et au fusain, ainsi qu’aux copies de maître. Le cycle de peinture propose également un travail d’après modèle, à la peinture à l’huile, ainsi que des paysages. Chaque cours rassemble des élèves des deux cycles, qui face au même modèle vivant, utilisent leurs techniques respectives. Les inscriptions se font au trimestre, avec la possibilité de suivre de un à trois cours par semaine.

Autre fait notable, le collectif a mis en place une bourse, qui chaque année permet à des élèves en école d’art de venir se perfectionner chez eux.

Des corrections très précises pour parvenir à un dessin « juste »

Jonathan passe un moment avec une élève dont c’est le premier cours. Il lui explique comment installer les formes du modèle sur sa feuille. Il montre une série de cinq dessins qui représentent les étapes par lesquelles un croquis doit passer. Il est important que chaque étape soit validée avant de passer à la suivante sous peine de compromettre la justesse du dessin final. L’essentiel est que la charpente de la figure soit là avant d’affiner le dessin.

Fidèle à sa démarche s’inspirant des méthodes académiques traditionnelles, Jonathan a une approche très rigoureuse des différentes techniques et « trucs »: comment se positionner par rapport au sujet pour éviter de distordre les distances apparentes, comment mesurer précisément ces distances, comment structurer la silhouette en exploitant les zones d’ombre et de lumière… La plupart des élèves dessinent à la mine de plomb mais deux ont choisi de démarrer directement avec la peinture, l’une avec de l’aquarelle, l’autre avec de la peinture à l’huile.

Jonathan fait remarquer à un des élèves qu’un des pieds de sa silhouette n’est pas assez à l’aplomb du sternum. Dans la réalité le modèle ne pourrait pas tenir debout ainsi ! Il corrige en quelques coups de crayon tout en indiquant les principes de construction auxquels cet élève doit faire attention.

Une silhouette juste, une impression de lumière, une impression d’ombre, un peu de détail sur la morphologie, ça suffit pour qu’on y croie!

L’enseignement est personnalisé. S’approchant du chevalet du peintre à l’huile, Jonathan lui conseille d’être plus parcimonieux lors de la composition de sa palette, quelques couleurs suffisent: un ocre, un blanc de titane, un rouge anglais ou vermillon, un noir d’ivoire, et c’est tout ! Jonathan est adepte des palettes limitées, à la Monet ou Manet.

Lors d’une séance de portrait le professeur insiste sur l’importance de conserver les contrastes relatifs entre les zones du visage et l’arrière-plan. Si l’arrière-plan est noir, qu’une partie du visage du modèle prend la lumière et qu’une autre est légèrement ombrée, il est essentiel de conserver sur la feuille les rapports entre ces trois valeurs.

On découvre avec Jonathan que la réussite d’un dessin tient parfois à très peu de choses, à un détail: « tu manques un peu de percussion sur cette joue »; « ce qui ressort sur le visage du modèle ce sont les yeux, les sourcils, la narine »; « il y a quelque chose qui se passe au niveau du menton, fais attention »…

Il est aussi important de faire l’aller-retour entre sa feuille et ce qu’on voit: « Essaie de te poser cette question, est-ce que je la vois comme je l’ai dessinée? »

La nature est beaucoup trop riche pour tout copier, tu dois prendre des partis pris.

Tout cela sonne très sérieux mais c’est sans compter le fait qu’il règne dans les cours du Conservatoire une excellente ambiance. J’ai en tout cas été impressionné par la qualité du projet pédagogique du collectif.

Et aussi un cours en ligne

Jonathan a également mis en place un cours en ligne qui s’adresse à tous et est donc particulièrement adapté aux débutants. Il s’agit d’un cours de deux heures via la plateforme Zoom. Le cours démarre par des exercices d’analyses de dessin sur 25 minutes et se poursuit par une séance de modèle vivant (portrait ou nu).

Les cours s’adaptent à tous les niveaux, et permettent d’utiliser des outils comme Photoshop afin de mieux comprendre et les mécanismes du dessin et de la peinture.