Des cours d’acting pour jouer comme au cinéma

Un cours d’acting, pas un cours de théâtre

Florence propose des cours d’acting (ou jeu d’acteur). Leur finalité est de travailler des scènes face caméra. Il faut donc bien les distinguer de cours de théâtre. Il peut être intéressant de comparer les deux, acting et théâtre:

• Les scènes travaillées: dans un cours d’acting vous travaillerez des scènes issues du répertoire cinématographique ou des scènes écrites pour l’occasion. Dans un cours de théâtre vous répéterez essentiellement des scènes issues de pièces.
• Jouer devant une caméra versus jouer devant un public: en acting on joue devant la caméra au lieu de jouer pour un public de chair et en os. Il n’y a pas besoin de projeter la voix, d’accentuer les gestes et il y a du hors-champ (contrairement au théâtre ou la totalité de la scène est visible du public). On reproduit les circonstances de la réalité sans exagération.
• La finalité: dans un cours d’acting il n’y a pas de préparation de spectacle. Par contre cela permet à chaque élève de s’entraîner pour d’éventuels castings.
• Le support vidéo: même s’il est possible de filmer du théâtre, l’usage de la vidéo est consubstantiel à l’acting. Cela permet à l’élève d’observer son jeu pour l’améliorer.

Les cours s’adressent à un très large public: futurs professionnels qui se destinent au cinéma, comédiens qui souhaitent préparer un casting ou amateurs sans objectif professionnel.

Les motivations des élèves amateurs sont elles-mêmes très diverses: pratique loisir du jeu d’acteur; volonté de développer confiance en soi et capacités de prise de parole en public; utilisation des techniques de l’acting dans un contexte professionnel…

Être inventif dans l’interprétation

Florence est une ancienne directrice de casting et a créé ses cours d’acting en 2010. Elle voulait un lieu qui permette à la fois aux comédiens de préparer leurs castings et aux amateurs de s’initier au jeu d’acteur.

Une des lignes directrices de son enseignement est d’inciter les élèves à introduire des variations par rapport à ce qu’impliquerait la lecture littérale d’une scène. Par exemple, si la scène représente un conflit violent entre deux personnages, peut-être sera-t-il intéressant, plutôt que de jouer des individus visiblement en colère, d’introduire du calme et de la froideur dans leurs affects.

Mais cela ne veut pas dire pour autant qu’il faille jouer les scènes de manière surréaliste ou déjantée. Les comédiens doivent au contraire s’attacher à reproduire des circonstances plausibles de la vie réelle.

Cela permet d’éviter un jeu trop stéréotypé. Cela fait également travailler la capacité d’imagination et de créativité des élèves. Enfin, plus prosaïquement, pour un pro qui passerait un casting au côté de nombreux autres comédiens, cela permet de sortir du lot et de surprendre les directeurs de casting (en tant qu’ancienne directrice, Florence a pu constater à quel point un jeu trop attendu pouvait desservir les candidats).

Avant de se lancer dans la répétition d’une scène, elle demande à ses élèves de nourrir leur personnage en se posant de nombreuses questions à son sujet: que veut-il? quel est son milieu professionnel et social? quelle est son histoire familiale? quels sont ses rapports avec les autres personnages?…

Avant d’apprendre le texte de la scène je veux que l’élève se pose des dizaines de questions sur son personnage pour qu’il apprenne à le connaître et à l’aimer.

Faire ce travail préparatoire permet de créer un contexte et un sous-texte qui nourriront l’interprétation. Cela permet aussi de se détacher de soi-même et de rentrer dans le personnage.

Surtout, si les élèves jouent une scène tirée d’un film, Florence ne veut pas qu’ils reproduisent le jeu des acteurs. Cela n’aurait que peu d’intérêt. Faire son propre travail de construction de personnage permet justement d’éviter cet écueil.

Une méthode inspirée de l’Actors Studio

Florence s’inspire également de la méthode de l’Actors Studio dont un des principes est que le comédien doit chercher à convoquer les émotions et les affects qui le rapprocheront du personnage: « Je dis à mes élèves, ne jouez pas la scène, vivez-la! ».

Un élève travaille une même scène durant deux voire trois séances puis passe à une nouvelle scène. En plus du travail de construction du personnage il y a évidemment un travail d’apprentissage du texte à réaliser en dehors des cours. Florence est assez exigeante là-dessus et ce travail est peut-être un peu plus conséquent que dans un cours de théâtre « standard ».

Les élèves choisissent leurs scènes parmi les scènes de film qui leur plaisent. Florence peut également leur en suggérer. Par ailleurs elle tient à leur disposition, dans de nombreux classeurs, un large choix de scènes qu’elle a écrites elle-même, ce qui peut être intéressant pour travailler un type de personnages ou de situations bien particulier.

Il y a aussi des exercices techniques et d’improvisation, mais moins que dans un cours de théâtre.

Elle aime d’ailleurs lier le travail d’improvisation à celui de répétition des scènes. Si une scène est difficile, il peut être intéressant de faire commencer les comédiens par une improvisation, avec leurs personnages, pour qu’ils s’échauffent et fassent sauter leurs inhibitions. Si une scène est particulièrement réussie et maîtrisée par les élèves, Florence aime faire durer le plaisir en les invitant à la prolonger en improvisant!

Une fois que la scène est maîtrisée, elle propose à l’élève de le filmer, ce qui lui permet ensuite de se corriger.

Elle donne également des séances de coaching sous forme de cours particuliers. Ce coaching s’adresse à un très large public: un comédien qui prépare un casting, une personne qui a besoin de gagner en confiance, ou quelqu’un qui va être amené à réaliser des vidéos dans un cadre professionnel…